Maléfica: La Maldad Revisitada al Estilo Disney

Malefica

No cabe duda que Maléfica es uno de los estrenos del año. No sólo por la historia completamente revisitada que Disney le dio a La Bella Durmiente y sus “verdaderos” orígenes, sino también, por el estilo y la potente interpretación de Angelina Jolie, en uno de los mejores papeles que le hemos visto.

La historia es simple. La bruja malvada que pone a dormir a la bella de la historia, en realidad siempre fue buena (al menos para esta película), era hermosa, era un hada (llamada Maléfica), que actuaba como guardiana de su mundo, que lo protegía de los humanos y que no temía usar sus notables poderes para establecer el orden cada vez que era atacado.

Eso hasta que se enamoró de un joven que logró entrar a su paraíso, que prometió amor eterno y que finalmente la engaña, la abandona… la vuelve a buscar, la engatusa, la droga y para rematar… le corta las alas para con ello convertirse en rey ¿Muy Disney?

De ahí en adelante, Maléfica se vuelve obviamente muy, muy maléfica. El guión y la historia juegan de manera genial con el personaje magistralmente interpretado por una enigmática y poderosa Jolie, quien más que derrochar maldad, muestra cómo un hada puede perder la razón, los estribos y endurecer su corazón hasta la irracionalidad, por desamor, desilusión, desconfianza… y por la falta de un muy buen psiquiatra que le recete unas buenas dosis de Prozac.

La maldición de Maléfica cae sobre la hermosa y casi perfecta princesa Aurora, como venganza a los tormentos que ha vivido la protagonista de manos del ahora rey Stephan, interpretado por un sobrecargado y extremadamente sudafricano Sharlto Copley (Sector 9). Ella esperando el momento del cumplimiento de sus augurios, sucumbe poco a poco gracias a su relación con Aurora y también por su esclavo y juguete personal, Diaval, un cuervo que toma diversas formas a voluntad de maléfica y que termina siendo al final su Pepe Grillo, su confesor, su amigo y su guardián en los momentos culmines de la historia.

La dirección está a cargo de Robert Stromberg, un veterano premiado de las artes visuales y que incursiona como tal por primera vez en esta cinta. Su falta de rodaje y oficio en la película se nota, con momentos en que la historia cabalga de forma trepidante, para luego detenerse en detalles intrascendentes que poco o nada aportan. También, hay fallas en cuanto al diseño de sets y el trabajo de iluminación, que a veces molestan. Seamos francos, a estas alturas del milenio los espectadores se dan cuenta cuando están frente a arbolitos y paisajes similares a los de Plaza Sésamo o bien, animaciones tipo CGI plásticas y sobrecargadas como los que vimos en el Episodio I de la Guerra de las Galaxias.

Dejando de lado eso, la película se sostiene sola por la potente, pulcra y sobria actuación de Jolie, quien da clases por la prestancia que llena toda la pantalla, que conmueve corazones y que agita las almas de los espectadores. Angelina traspasa completamente la complejidad de un personaje que siendo bueno y poderoso, cae en la miseria por desamor, algo que finalmente termina siendo una maldición para ella misma y que la envuelve como un torbellino más que interesante.

Maléfica es una película que es totalmente recomendable de ver, que posiblemente haga historia por la novedosa forma en que Disney levanta un antihéroe desde las cenizas de un personaje pérfido y que cuando salga en disco, debe formar parte de su biblioteca.

Recomendación: No es una película infantil, no es recomendable para menores de 7 o 10 años.

Ficha Técnica:

Maléfica
97 minutos
Todo Espectador
Dirigida por Robert Stromberg
Ficha en IMDB

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Cómo Entrenar a Tu Dragón 2: Más Compleja y Más Entretenida

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Tras tres años en producción, esta semana hizo arribo a las salas nacionales la secuela de Cómo Entrenar a Tu Dragón, y que cuenta la historia de Hipo (Hiccup), hijo del jefe de una tribu vikinga ubicada en la isla de Berk, quien decide hacerse amigo de los dragones, animales que por siglos han sido enemigos de los humanos.

Esta segunda parte muestra una historia mucho mejor armada, menos frugal, con más peso y pone a Hipo y su amigo Chimuelo (un hermoso Dragón que más nos recuerda a nuestro gato juguetón de la infancia, más que a un animal espantoso) cinco años después de la gran batalla que pacificó las vidas de su pueblo. Ahora sus habitantes tienen de mascotas y compañeros a los dragones, hacen carreras tipo Quidditch con ovejitas, Hipo es nombrado como el sucesor en la jefatura de la tribu y él, intentando definir su vida y su personalidad, está más preocupado de explorar nuevos mundos, más que el asumir sus responsabilidades.

La paz obviamente no será duradera. Hipo, su pueblo y sus dragones deberán enfrentar a un enemigo que hasta el final se ve imposible de vencer.

Habrán reencuentros que harán sacarle lágrimas a los padres (en la función habían varios que lloraban a mares, incluyéndome) y también impensables pérdidas familiares que harán sufrir a los niños. Estos hechos muestran que el producto fue hecho para al menos tener dos o más secuelas sobre la base de un sustrato más fuerte que aunque comercial, sabe perfectamente combinar el cuidado al público infantil creando de paso a un nuevo superhéroe lleno de debilidades, miedos, inferioridad física, pero que siempre logrará surgir bajo la base de hacer cumplir imperativos morales básicos y por sobre todo, con fuertes valores positivos como el de intentar pacificar sin luchar, proteger sin abandonar y vencer a través de la inteligencia, la lealtad y el amor por sobre el puño de la fuerza y la brutalidad. “Haz el bien y evita el mal”, la máxima que guía a las sociedades (y que eminentemente se olvida seguido), es algo que recorre toda la cinta, que penetra fuertemente en el alma de los niños y que infunde un aire de satisfacción al final de la cinta.

Cómo Entrenar a Tu Dragón 2 atrapa. Sus recursos gráficos están mucho mejor diseñados y los personajes, siendo más complejos, se entienden por si solos. Es una cinta directa, familiar y que realmente fascina a grandes y a chicos.

Dirigida por Dean DeBlois (Lilo & Stitch y escritor en Mulan) y traducida de manera genial en México, la película es un imperdible panorama para estas vacaciones. Su gran reparto que incluye a actores de peso como Djimon Hounsou (Diamantes de Sangre), Gerard Butler (300), Cate Blanchett (El Señor de los Anillos) y América Ferrera (Ugly Betty), es una buena excusa para ir a verla de nuevo, en 3D y en inglés, para aquellos papás que “no la entendieron bien”… Usted sabe.

Reserve su asiento, para el 2016 viene la tercera parte.

Ficha Técnica

Cómo Entrenar a Tu Dragón 2
Dirigida por Dean DeBlois
102 minutos
Todo Espectador
Ficha en IMDB

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Rosso Italiano: Bien, Pero no Tanto

RossoItaliano

Casi un año abierto cumple en pleno Boulevard de Parque Arauco, Rosso Italiano, el nuevo proyecto de la empresa GMW que tiene como socios a Giovanni Anderlini (Le Due Torri), Marcos Hites y Walter Monticelli (ex Pasta e Basta) y en cuyo inventario se suman otros como Caprese, Enzo y el de comida rápida, Mamma Mía.

Rosso Italiano ocupó el espacio del ya desaparecido Asian Bistro, propiedad de Giovanni Vanni, quien también administra el sobrevalorado Danubio Azul. Asian Bistro tuvo malos momentos en su casi 4 años de paso por el segundo piso de lo que hoy compone el Boulevard del Lujo del mall capitalino. Con una carta variada, un sabor y una factura interesante que muchos no entendieron, precios excesivos y una pésima atención, Asian Bistro desapareció sin dejar viudas por el camino para dar paso a este nuevo proyecto que en su debut, recibió más críticas que alabanzas. Y muy malas críticas.

Llevando consigo una fuerte “carga” que dejó su antecesor, los primeros meses de rodaje fueron fatales. La marcha blanca de la cocina y los mozos definitivamente no fueron capaces de cumplir con el mínimo y la calidad de los resultados también dejaron que desear. Tras eso y a un año de trabajo, Rosso Italiano muestra mejoras notables, como una buena y eficiente atención, servicio rápido gracias a la mecanización de la comida y resultados en platos que llaman la atención ya que son sabrosos, cumplen, pero ciertamente son un poco sobrecargados.

La remodelación del lugar quitó sofisticación y encerró bastante el espacio que Asian Bistro había generado con la arquitectura anterior: la terraza es más pequeña, la distribución de las mesas hace que el espacio se vea vacío y frío y además, no hay prolijidad por mantener impecables los ventanales para mirar al exterior, lo que demuestra aires de descuido. Tampoco existe un anfitrión quien te reciba a la entrada del lugar por lo que tienes que abrir por ti mismo una pesada puerta de vidrio que te golpea en la cabeza, para luego sentarte en donde puedas o quieras. Claramente algo debe mejorar ahí.

La carta se ha mantenido estable durante el año, algo raro en Walter Monticelli, quien sigue pensando que cambiarla cada 6 meses atraerá a más comensales a su fábrica de comida. Sí llama la atención que esta es interminable, tanto en pastas, antipastos, pizzas, tragos y vinos. Hay también una predilección innata al exceso de crema, al exceso de ricota y casi un total olvido a lo fino, lo frugal y lo aromático de la cocina italiana donde predominan el peperonni (pimiento), el tomate seco, la albahaca, la oliva… el pesto ¡por Dios!

Para irnos a la segura, pedimos dos platos que no podían fallar: Una fuerte para dos personas y media (con hambre) de spaguettis con bolgnesa. La pasta hecha en casa pero industrial, se notaba extremadamente amarilla (esperemos que no esté con colorante), lo que nos hace recordar los buenos primeros momentos de la franquicia del Mamma Mía. No molestan, son sabrosos, pero tampoco son para colocarles un monumento. El acompañamiento en cambio, a base de pomodoro casero, con toques de tomatitos cherry, un poco de crema (que no debería incluír) y carne molida salteada que luego fue incorporada y hervida. Un poco fuerte, tosca y parecida a la que puedes hacer en casa. Claramente falta más originalidad y tal vez, trabajar un poco recetas de la Liguria para tratar esta presentación, en base a una bolognesa hecha sobre osobuco, asado de tira, tal vez un pollo ganso y hasta mechada. O también, probar con recetas cercanas al ragout, donde los jugos de la carne se deshacen mientras se cocinan suavemente con la salsa.

Resultado final: fuerte, pasa la prueba, pero es olvidable.

Junto a esto, pedimos una segunda fuente con ravioles rellenos de carne y salsa rosa (pomodoro y crema). La salsa nuevamente muy pesada, exceso de queso, espesa. Los ravioles en cambio muy sabrosos, en su punto… podrían resaltar si se saltearan en mantequilla negra y albahaca solamente. Se disfrutaron con esmero, pero terminamos algo atosigados por lo poco delicado del plato.

En cuanto a la atención, fue gentil, veloz, los platos llegaron en minutos (lo que demuestra que la cocina está muy bien, o está muy mecanizada, o simplemente usan el funesto sistema de la Piccola Italia donde recalientan los platos (esperemos que tampoco laven los fideos sobrantes)).

Las dos fuentes que perfectamente pueden dar de comer dignamente a 5 personas o a 4 con mucha hambre, más un Amaretto Sour (correcto), cuatro jugos naturales (hechos en el momento, muy azucarados y a base de pulpa) costaron $ 48.000 o US$ 90. Bastante para ser un restaurant donde Monticelli busca generar lo que él ha llamado “calidad a un precio accesible”.

Rosso Italiano al menos no es una mala alternativa, se puede comer bien, de manera veloz, a un precio relativamente alto y en un bonito lugar. Eso sí le falta y mucho para ser un espacio premium, alabado por la crítica y donde los comensales se pelean por una mesa. El lugar finalmente tiene el sello de los proyectos de Monticelli: correcto, pero siempre, siempre le falta algo para ser mejor. Muy aspiracional, con muchas ganas, pero insisto, no logra el objetivo final. ¿Chaucha para el peso? Usted lo dirá.

Ficha técnica:

Rosso Italiano
Chef: Walter Monticelli
Boulevard del Parque Arauco. Avenida Kennedy 5413
Fono: +562 2229 2210

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¿Sabías Que La Barba Está de Moda?

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Nadie quedó indiferente ante el look de Jared Letto al recibir su primer Oscar por “Dallas Buyers Club”. Impecable smoking blanco, larga cabellera y una perfecta barba de una semana.

Letto es para algunos críticos de moda la encarnación de los nuevos tiempos que vive el hombre, que sin renegar de su masculinidad está haciendo eco del gusto por promover sus diferencias, pero con clase. Esto es usar una barba tupida, pero cuidada o tal vez una de dos o tres días perfectamente delineada, acompañada de un peinado casual que si bien puede verse perfecto o desordenado, demuestra una intención.

Esto sumado a los clásicos valores masculinos como la caballerosidad, lo cosmopolita, el gusto por ropas acordes a estados de ánimo, el clima o la ciudad donde se desenvuelven y el usar accesorios de lujo, muestran una tendencia donde el hombre y su mundo están nuevamente retornando.

Y el tema no es menor. Según una nota de la agencia Efe publicada en marzo, sólo en la ciudad de Nueva York los implantes de barba se han disparado, con procedimientos que pueden llegar a costar hasta los US$ 8000 y donde los más jóvenes y en personas latinas y asiáticas, el hecho de verse varonil y cuidado es un símbolo de estatus.

Si bien la moda de la barba, la masculinidad, el cuidado del look y el encantar con un toque diferente la iniciaron los Hipsters hace ya un par de años, el uso de la barba sin tapujos y con orgullo alcanzó su máxima popularidad de manos de actores como Letto, junto a George Clooney (Syrianna), Brad Pitt en sus múltiples apariciones en la alfombra roja, y también Daniel Craig, Harrison Ford, Ryan Gosling, Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr. (Iron Man), Jason Statham (El Transportador), Ben Affleck (Argo) y el atractivo Chris Hemsworth (Thor), entre otros.

¿Y en Chile?

La tendencia nacida en Estados Unidos y que está tomando fuerza en el mundo ya aterrizó en Chile. El andar con la cara afeitada al ras está considerado pasado de moda y el sólo usar jabón y desodorante, también. Prueba de ellos son las cifras entregadas por Euromonitor, donde muestran que los chilenos son los que más gastan en la región en cuidado personal al año con unos US$ 21, mientras que los brasileros llegan a US$ 18.8 y luego siguen los argentinos con US$ 15.6.

Según el estudio, entre 2013 y 2017 se espera que la industria crezca un 41%, alcanzando los US$ 255.7 millones en total.

A estas cifras globales, se acompañan los entregados por la consultora GFK, donde muestra que solo en el caso de la marca Philips, ha experimentado un crecimiento en máquinas cortabarba de un 40%, las cortapelo en un 26%; y los kits “multigroom” o aquellos de cuidado personal que incluyen cortabarba y cortapelo, un 6%.

“La industria se está especializando y está generando cada día más y mejores soluciones para el cuidado de la belleza y el look masculino. Philips no está ajeno de ellos y ya entrados en la nueva tendencia, estamos liderando con productos que responden a las necesidades de hoy”, comenta Francisco Gaete, gerente del Área de Cuidado Personal de Philips Chile.

El ejecutivo de Philips, además, entrega los siguientes consejos para el cuidado de la barba:

Antes de dejarte barba:

  • No cabe duda que la barba está de moda, por lo tanto no hay que tener miedo a usarla
  • Si decides usar barba, debes definir el tipo de corte y largo según sea tu personalidad
  • El tipo de barba además, debe ir acorde a tu corte de pelo y también al tipo de vestimenta que usas
  • En general las barbas cuidadas y recortadas de 3 días o una semana de ven muy bien si se mantienen ordenadas y delineadas de forma permanente
  • En nuestra cultura una barba muy tupida (tipo montañista o ermitaño) no es bien vista a no ser que tu trabajo sea al aire libre o ligado a deportes outdoor

Tras la decisión:

  • Se recomienda no dejarla crecer mucho antes del primer recorte. También es importante que esté lo suficientemente visible antes de darle la forma que uno desea
  • Para dejar el largo deseado, ya no es necesario usar tijeras. Con los sets de grooming y cortabarbas disponibles en el mercado, los resultados son más parejos, precisos y seguros.
  • Para el recorte de barba se recomienda la cara lavada y seca, ya que los vellos no estarán pegados a la cara
  • Los expertos recomiendan partir desde el exterior hasta el interior, por la zona de las patillas y recorrer hasta la zona de los labios. Con el bigote, se parte desde el centro hacia fuera, definiendo la línea del cuello. La frecuencia recomendable para darle forma puede ser una vez por semana a dos semanas, dependiendo de la velocidad de crecimiento que tengas
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Palabras Robadas: Original y Emotiva

PalabrasRobadas

The Words o “Palabras Robadas”, es un filme dirigido por Brian Klugman y Lee Sternthal (ambos guinistas de Tron Legacy), que cuenta con las actuaciones de créditos importantes como Bradley Cooper, Olivia Wilde, Zoe Saldana, Jeremy Irons y Dennis Quaid.

La historia posiblemente no sea novedosa, pero es atrayente: Rory Jansen (Cooper) es un joven ilusionado con ser escritor, quien logra casarse con pocos recursos y que con la ayuda de su familia y su flamante esposa, comienza su viaje por cumplir sus sueños, entregando sus escritos a casas editoriales que los rechazan una y otra vez. Esto lo obliga finalmente a trabajar como junior en una de ellas, con la esperanza que alguien alguna vez se fije en él.

Tras un viaje a Francia que logra hacer junto a su mujer, se trae consigo un maletín antiguo comprado en una tienda de anticuarios. Al revisarlo, encuentra un manuscrito con una historia cautivante que lo deja perplejo. Y tal vez imbuido por la envidia o por la necesidad de lograr redactar algo parecido, lo traspasa, palabra por palabra a su computador y lo guarda. Su esposa lo descubre y tras eso, la bola de nieve se cierne sobre él, obligándolo tal vez sin tampoco poner resistencia, a presentarlo a su editor jefe, quien 6 meses después lo llama para decirle que es una de las mejores novelas escritas y decide publicarla.

La fama, la fortuna, la buena vida, la buena suerte, el reconocimiento, la vida sonriente son finalmente los argumentos que Jansen se ve inmerso tras su farsa, la que disfruta sin tapujos. Esto hasta que aparece en su vida un viejo enfermo y amargado interpretado por un magistral Jeremy Irons y quien en un parque se le acerca, le entabla conversación y le hace saber que esas “palabras robadas” son las que él había escrito hacía 5 décadas, donde relataba su sufrimiento como soldado en la Segunda Guerra en Francia y la historia de amor que tuvo con una bella mujer a quien abandonó, y a su hija a quien perdió por una grave enfermedad. No era un libro, era la eliminación de su karma.

Tras eso los acontecimientos se desencadenan en la interna de Jansen. Sus remordimientos no lo dejan vivir, la angustia de sentirse un ladrón y el entorno que se niega a darle vuelta la espalda por lo conseguido, finalmente se convierten en un cúmulo de situaciones que hemos visto antes en el cine y que esta vez funcionan muy bien, hacen que el espectador se quede sentado en la cama viendo, pero que tampoco llegan mucho más allá.

Lo más interesante de esta cinta es que la historia se mueve en tres ambientes paralelos: El de Irons, que a través de sus palabras cuenta la trágica historia de juventud; el de Cooper que vive el presente y disfruta de los logros gracias al hallazgo y el tercero, de manos de un poco viejo y un poco obeso Dennis Quaid, quien toma parte del protagonismo a través de una tercera historia, donde aparece como el escritor que narra en su libro toda la trama de la película como si fuera su invención.

Si bien la cinta tuvo muy malas críticas de parte de los entendidos, la irrupción de estos guionistas como directores entrega una mirada fresca y una narrativa funcional y con pocos errores a un experimento que hemos visto funcionar el Hollywood. Klugman y Sternthal eso sí, se preocupan por evitar lugares comunes, actuaciones sobrecargadas y logran asignar a cada pieza del equipo su parte de importancia para que la exploten a su máximo potencial y en diferentes momentos de la historia, lo que hace que la intensidad no decaiga y pocas veces haga que el espectador se despegue de la pantalla.

Cooper por su parte sigue sorprendiendo con actuaciones fuertes, intensas y que se acomodan a su perfil juvenil. Es un actor que convence y que a veces hace olvidar sus anteriores papeles desechables que intentaron posicionarlo como símbolo sexual. Con “Palabras Robadas”, mantiene esa mirada picarona y fresca que vimos en Hangover a las que se suman dosis de dramatismo y sufrimiento que descubrimos en la sorprendente “Limitless”.

“Palabras Robadas” o “The Words”, sencillamente funciona y bien. Tiene una historia potente, original, aunque se sustenta en muchos elementos comunes de las películas americanas que hemos visto por años. Aun así no es plástica, no es pasajera, es atrayente, bien hecha, con actuaciones poderosas y que le gusta ir, venir y saltar entre historias paralelas que por sí solas no se sostienen sin la otra.

Tras su estreno y salida al Blu-Ray, está rondando por canales de TV paga y satélite. Búsquela en su programación, grábela y véala. Vale la pena para un día de fin de semana aburrido y con pocos panoramas.

Ficha Técnica:

The Words (2012-2013)
Dirigido por Brian Klugman y Lee Sternthal
102 Minutos
Mayores de 14 años
Ficha en IMDB

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El Sueño de Walt: Amor, Odio y Tragedia

SuenoWaltEl estadounidense John Lee Hancock (Blanca Nieves y el Cazador, Un Sueño Posible), lleva a la pantalla grande la desconocida historia (para varios) entre Walt Disney y la australiana-británica PL (Pamela) Travers, autora del célebre libro “Mary Poppins”.

Disney, interpretado por Tom Hanks y Travers, encarnada en la magistral Emma Thompson, surgen en la película cuando la autora se ve obligada a juntarse con el padre de Mickey Mouse, para explorar la venta de sus derechos de autor para el cine, debido a sus penurias económicas. La mujer pasó nada menos que 20 años diciéndole NO al estadounidense, ya que consideraba que su imperio y su visión de negocios era sólo una “fábrica de sueños plásticos, que hacía montañas de dinero y que se aprovechaba de la inocencia de los niños”, según sus palabras en el filme, ambientado en los años 60. Por su parte Disney siempre luchó por hacer la película por una promesa que hizo a sus hijas y que como buen padre no podía dejar de cumplir.

Hasta ahí y en el papel, nada fuera de lo común, hasta que la historia comienza a profundizar en los sentimientos de Travers.

Travers se muestra como una mujer lúgubre, profundamente amargada, sola, con pocos buenos sentimientos, caprichosa y dispuesta a todo con tal de hacer fracasar el proyecto y volver a Londres con su novela intocada por las manos banales y superficiales de Disney.

A medida que la historia avanza, es posible ver un paralelo entre la tragedia que ella vive en su Australia natal de manos de un padre soñador, artista, algo fuera de lo común y alcoholizado por las penas de no poder representarse a sí mismo en la vida real. El señor Banks (de ahí el nombre de la película: Saving Mr. Banks, o Rescatando al señor Banks) finalmente trabaja frustrado en un banco y muere de una penosa y larga enfermedad, en un proceso que hunde a la familia, lo que provoca que su esposa intente suicidarse. Al final de la tragedia que marca de manera trascendental a Travers, el grupo logra encontrar algo de razón tras la llegada de su tía… Quien a todas luces es en parte el pilar externo que los hace entrar a todos en algo de tranquilidad, como si su alma no sintiera los embates de la tragedia… Y de ahí Mary Poppins. Collin Farrell interpreta a Banks usando sus ya conocidas dosis de intensidad irlandesa, que rayan en excesos y locura temporal. Es posible reconocer ese ADN acá y en sus demás películas.

Los flashbacks de la vida pasada justifican como Travers (quien usa nombres diferentes en la vida real, ante otras personas y en su pasaporte debido al karma que lleva sobre sus hombros), se va quebrando de a poco a medida que su relación con la película de Disney va avanzando en contra de su voluntad. Deja de maldecir para finalmente someterse en parte a los designios de Walt y sobre todo, ablanda en parte su corazón gracias al chofer asignado por Disney, un hombre sencillo que sufre por la invalidez de su pequeña hija y que es tiernamente representado por un adorable y querible Paul Giamatti.

Walt finalmente consigue la venia de Travers tras perseguirla a su casa en Londres, donde en un buen diálogo, cuenta su historia de niño, también plagada de abusos, abandono, explotación que en parte retuerce el corazón. Disney termina mirando a Travers y le pide que de una vez libere sus demonios y deje partir a Mary Poppins y que él no la defraudaría.

La cinta cierra con Travers en la avant premiere (a la que fue invitada a regañadientes) llorando, cantando, pero renegando de lo que estuvo a punto de dejar fuera a Disney del proyecto: Con Dick Van Dycke de protagonista (ella no lo soportaba) y la secuencia de su baile junto con pingüinos animados, algo que ella hasta el día de su muerte, renegó.

Si miramos de forma crítica, la cinta es correcta, bien armada, sin errores. La actuación de Thomson es sublime, la de Hanks es… bueno, otra actuación de Tom Hanks en el papel de Tom Hanks; Giamatti soporta bien el ser el enlace que quiebra a Thomson; y Farrell resulta algo intrascendente pero aceptable interpretando el mismo papel que lo acompaña hace años como un loco soñador, alcohólico irlandés y con los ojos desorbitados. A pesar de eso, la cinta logra transmitir emotividad. Para los que sufrieron de una infancia que al mirar atrás parte el alma, la historia de los personajes hace que el espectador se refleje en ellos y sientan al menos empatía por su dolor. Si bien los diálogos no son notables, recurren a veces a lugares comunes y frases cliché, todo se revierte con el momento en que Walt convence a Travers, cerrando en algo simple pero claro, lo que se fraguó en 2 horas de cinta y en 60 años de sufrimiento de ambos protagonistas.

Saving Mr. Banks finalmente convenció al público y a la crítica. Obtuvo una nominación al Oscar, a los Bafta, a los Golden Globe, al Empire Awards de Gran Bretaña, al Círculo de Críticos de Londres y a otra decena más. Su director logra entregar sobriedad, corrección, notoriedad y buenas actuaciones a un tema que resulta trágico, íntimo, duro y que a pesar de todo eso, generó una de las películas y musicales más notables que la historia del cine haya visto: Mary Poppins.

Para verla, comprarla y guardarla en su biblioteca de Blu-Ray o DVD.

Durante este mes, la película está disponible en los canales de pago de los operadores de cable local, DirectTV y también está disponible en el retail para la venta.

Ficha Técnica:

Saving Mr. Banks (El Sueño de Walt)
Dirigida por John Lee Hancock
125 Minutos. Todo Espectador con guía parental
Ficha en IMDB

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Godzilla: Dinosaurio Obeso En Una Película Muy Delgada

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No termino de sorprenderme cuando críticos de cine como la editora de Espectáculos de La Segunda, Ana Josefa Silva, o el columnista Ascanio Cavallo, escriben maravillas sobre la nueva versión de Godzilla: “Grandes efectos, excelente historia, sorprendente ritmo, totalmente recomendable”.

Con esas cartas, fuimos a verla en sus últimas semanas en cartelera y claramente la sorpresa fue impactante: Nada de lo que se ha dicho es verdad.

Partiendo que mi filtro personal para películas malas, comerciales, simples y sin sentido, llenas de efectos especiales y totalmente hollywoodenses es igual a cero, jamás se me pasó por la cabeza que la nueva versión del lagarto que amenaza Japón, sería tan decepcionante.

Dirigida por Gareth Edwards (a su haber 6 películas, de las cuales 4 son para la TV), la historia se centra una pareja de científicos nucleares compuesta por (lea bien) Juliette Binoche y Bryan Cranston, quienes sufren un ataque de algo desconocido que termina destruyendo una planta nuclear que ambos supervisan en Japón. Al ver esto, el tema se ve prometedor, claro, especialmente porque está el protagonista de la serie de culto Breaking Bad, junto a una potente figura cinematográfica que protagonizó Camille Claudel o Blue.

Pero la participación de ambos no supera la media hora y tras eso comenzamos a ver una pasmosa serie de imágenes e historias insulsas e inconexas que nos hacen recordar lo peor del cine de monstruos japoneses, donde hay actuaciones robóticas y posadas, diálogos eternos para explicar lo inexplicable, como el de una científica que se manda un speech de 5 minutos para contar que los monstruos han estado durmiendo por 10 mil años y que comen radioactividad… OK comen radioactividad. Y luego de eso peleas en cámara lenta con rayos azules que salen de la boca. Mis ojos sangraron.

La película aburre hasta el cansancio. Mi tolerancia duró 45 minutos hasta caer en los brazos de Morfeo. Con la sala casi vacía, varios cinéfilos emprendieron el viaje tras ver la típica destrucción de la ciudad (varias en realidad de Japón y Estados Unidos), sumado (como dije anteriormente) a peleas que nos recuerdan a los dinosaurios de goma y a Ultraman vestido de traje de buzo y pintado con témpera como en los 70.

Lo más chocante es que para los amantes y conocedores de la historia, este verdadero Godzilla revisitado, aparte de ser más lento, gordo y horrible, termina siendo una especie de guardían de la naturaleza y el mundo, ya que despierta de su eterno sueño submarino para salvar la Tierra cuando surgen seres aparecidos de una mala copia de Starship Troopers (otra vez) o el manga Mospeada, a los cuales debe desollar, para luego volver al mar mientras todos los que sobrevivieron a la masacre de las ciudades se toman de las manos y lloran de agradecimiento.

Simplemente no vale la pena el tiempo ni la entrada. Tampoco se entiende la crítica tan benevolente que tal vez fue realizada en base al brief que les envió la productora. Y claramente muchos añorarán o partirán a encender Netflix para volver a ver la versión del muy fome y muy ñoño Matthew Broderick, con un Godzilla que destruye Nueva York. Esa versión, a pesar de las críticas y malas actuaciones, claramente resulta más inteligente, interesante y lea bien, hasta con mejor ritmo y efectos que esta de 2014. Por favor si usted no considera cool un nido de mini Godzillas en el Madison Square Garden de NYC, es un amargado.

Consejo: Vea la versión de 1998 con sus hijos o tenga una tarde de nerd viendo en su 5.1 (o 7,1) Pacific Rim. Esta no por favor.

Ficha Técnica:

Godzilla
Dirigida por Gareth Edwards
125 Minutos
Apta para mayores de 7 años o todo público con control parental
Ficha en IMDB

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Al Filo del Mañana: El Día de La Marmota Extraterrestre

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No cabe duda que a muchos cinéfilos no les gusta Tom Cruise. Y no porque sea un mal actor (actores que se interpretan a sí mismos hay por montones), no porque interprete películas malas… Sino porque sencillamente Tom Cruise es Tom Cruise. Digamos las cosas como son.

Y Cruise y sus asesores lo saben. Desde su caída como súper estrella tras el divorcio con Nicole Kidman, sus alambicadas apariciones en Talk Shows saltando como esquizofrénico (parodias de eso hay por montones) y declaraciones negando a la psiquiatría, medicamentos y ciertos tipos de alimentos, sumado a su ya reconocido fanatismo por la secta de la Cienciología y los rumores (más que ciertos) que esa organización finalmente le maneja la vida… y su billetera, el actor se ha puesto en campaña para recuperar su estatus y de forma frecuente.

Tras operación Valkiria, Minority Report, la saga Misión Imposible, una incomprendida Oblivion y la veloz Jack Reacher, el incombustible ahora salta a la pantalla grande con “Al Filo del Mañana”, cinta dirigida por Doug Liman (Jumper, Sr. y la Sra. Smith, Fair Game y la trilogía Bourne), cuya trama basada en el comic “All You Need Is Kill” de Hiroshi Sakurazaka, cuenta la historia de William Cage como un Mayor de relaciones públicas del Ejército Estadounidense, quien cumple su labor de vocero ante la prensa en momentos en que la Tierra es atacada por una violenta raza de seres alienígenas que nos superan en fuerza, número, tecnología y estrategia.

La película muestra cómo se van desarrollando acontecimientos que llevan a Cage (en contra de su voluntad) al frente de batalla. Este y luego de estar expuesto a la sangre de uno de los invasores, adquiere una de sus capacidades que es el controlar el tiempo y también, reiniciar el día una y otra vez en caso que el personaje muera.

La historia logra desarrollar una trama que cambia y se perfecciona, a pesar de las constantes repeticiones. Eso sí y aunque cada mini historia agrega elementos nuevos, el desenlace no sorprende y resulta obvio a estas alturas del partido.

Actuaciones descollantes no hay, menos la de Cruise. Sí resulta interesante como este verdadero “Día de la Marmota”, funciona bien, no cansa, resulta entretenido, adrenalínico, con buenos efectos visuales, un buen ritmo y le da una especie de nuevo valor a las películas que les gusta jugar con el “control+alt+supr”.

No es una película inteligente como Oblivion, tampoco intrigante como Minority Report, es más bien la conjunción de cientos de otras cintas de ciencia ficción donde podemos ver trazas desde Matrix, caídas espectaculares y hasta irrisorias al estilo “Protocolo Fantasma”, batallas en la cabeza de playa tipo “Starship Troopers” (lamentablemente sin el desnudo de Dina Meyer) y finales algo sobrecargados y obvios como “Día de la Independencia”.

Lo bueno es que para los amantes de la ciencia ficción, de las batallas espaciales, de los que buscan algo un poco más allá de los disparos y caritas masculinas de Jason Statham y de los críticos en CGI, es que Al Filo del Mañana resulta una película que funciona bien y entretiene, aunque a gusto personal se me hizo más larga de lo que sus 113 minutos prometían.

Elemento imperdible es la actuación de Bill Paxton a quien hacía años no se le veía protagonizando un blockbuster y la británica Emily Blunt, quien un poco sobrecargada, nos hace recordar la fuerza de los personajes violentos que en su momento encarnó Uma Thurman.

Al Filo del Mañana (Edge Of Tomorrow)
113 Minutos
Mayores de 7 años (Todo Espectador con Guía Parental)
Ficha en IMDB

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Lai Thai: Democratizando la Comida Tailandesa

1301494_2lhw30NheJ75X9T6EOkn7l-1uZtrrk19-GuSxq-KQp0La moda de la comida Thai lleva menos de 10 años en el país y sigue ganando adeptos. La fama se la ha ganado gracias a una gran factura, calidad de sus chefs que rigen los pocos restaurantes que hay en Chile, y una correcta y casi perfecta armonía entre sobriedad y audacia en cada uno de sus platos.

Tras Thai House, Pad Thai, Chang Thai, Nam Thai Cuisine y Anakena del Grand Hyatt, surge con fuerza inusitada el modesto y a la vez aclamado Lai Thai, restaurant cuya historia cuenta que el chef Jirawat Nantalakha (A.K.A. Mister Odd) levantó en marzo de 2011 un pequeño puesto cerca del Persa de Franklin y el cual, gracias a un inusitado éxito y la fama ganada boca a boca, expandió sus horizontes a sucursales que están en el centro de Santiago, avenida Ossa y también en un pequeño local abierto en la calle El Espino a pasos de El Rodeo en La Dehesa.

Como lo han hecho casi todos los tailandeses de buena calidad, importan casi todos los implementos y también a los cocineros y cocineras del país. La mano de ellos se nota en las aromáticas diferencias que puedes encontrar entre un Pad Thai bien hecho y un revoltijo de tallarines, huevo, camarones y jengibre que puedes comer en imitaciones de tailandés o en tu propia casa con tus amigos. Esa sutileza es la que los amantes de la comida Thai buscan y pagan.

25733726_JMmqdFAqojCZntuA_YX3KQ7o5hYgl-vbPw0vUA4NSKUA diferencia de sus principales competidores (Thai House y Pad Thai), Lai Thai tiene una carta bastante acotada, lo que hace que sus 20 platos sean siempre iguales, del mismo sabor y que no varían en el resultado, que muchas veces depende del ánimo del chef de turno, algo que se agradece. Y también, Lai Thai sigue manteniendo (en parte), sus raíces callejeras de Franklin, por lo que el precio de sus platos es más que razonable, al grado de distar hasta en un 50% con otros considerados de “mantel largo”. Y la diferencia en factura es rara vez perceptible.

Entre sus platos más deliciosos, destaco la sopa Neua Tun, un caldo impresionante, frutal, liviano y fuerte a base de filete de vacuno, hierbas locales, diente de dragón, cebollín, cilantro, lechuga hidropónica, pizca de jengibre y si lo deseas, noodles. Para levantar un muerto.

Le sigue el Sate Gai, tradicionales brochetas de pollo con salsa de maní y verduras, el que resulta ser un manjar para la boca por la cocción perfecta de sus partes, y donde el acompañamiento es hecho en casa y no sacado desde un tarro.

Otro de sus secretos mejor guardados es el “Gai Pad Med Ma Muang” (sí, tal como suena); que es un delicioso plato hecho con pollo trozado, frito, salteado, acompañado de tiernos pimientos de tres colores, castañas de cajú salteadas en aceite de maní y lo mejor, la incorporación de ajíes rojos disecados y salteados, lo que le da un toque de picor único y un aroma que hará de los conoceros un plato altamente adictivo.

En cuanto al plato de la casa, el Pad Thai, resulta rico, cremoso, contundente y barato comparado con la competencia. Aunque por resultado, creo que el de Thai House sigue siendo el mejor de Santiago a la fecha.

¿Recomendable? Totalmente y en especial para los que no les alcanzaba el bolsillo para ingresar a una de los mundos gastronómicos más excitantes que hayamos visto en el último tiempo.

Ficha Técnica:

Restaurant: Lai Thai
Ubicaciones: Direcciones en Santiago
Chef: Jirawat Nantalakha
Rango de precios por persona: Entre US$ 20 a US$ 45
Calificación (entre 1 a 10): 7

Curiosidades:

– Historia de Jirawat Nantalakha contada por Marcelo Simonetti
– Cada uno de los restaurantes tiene impresionantes grafitis creados por el artista Diego Coletti, como el que muestra el local El Espino de Lo Barnechea (abajo)

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La Apuesta de P.F. Chang’s en Chile

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Operado por la franquicia mexicana que administra las licencias para Burger King y Starbucks en Chile, esta semana abrió sus puertas el primer P.F. Chang´s China Bistro de Sudamérica, en Santiago. Con una decoración similar a los grandes restaurantes que pueden verse tanto en México como en Estados Unidos, el lugar mezcla una novedosa y exquisita carta que la ha hecho famosa entre muchos comensales, ya que fusiona de forma entretenida y lúdica lo mejor de la comida cantonesa y los toques habituales de la cocina norteamericana.

Su carta de comida es variada y contundente. Tiene incluso una sección especial de platos sin gluten. Decenas de postres y novedades en aperitivos, entre los que se destacan diferentes tipos de dumplings, los rolls de lechuga y pollo (Chicken Lettuce Wraps) ¡delicioso!, una generosa oferta de fideos tipo noodles y para los amantes de la sopa, hay cuatro interesantes alternativas.

De visita por el lugar, junto con el aperitivo, probamos el Double Pan-Fried Noodles, un salteado mixto de carne, pollo y camarones, con verduras tiernas y en su punto (exceptuando el brócoli que estaba crudo, pero sabroso), sobre una cama de noodles crujientes. Agridulce, fuerte, arrebatador, rico y hasta hostigoso por el gusto de colocarle almidón para espesar. Muy gringo y muy contundente.

Seguimos con el Sesame Chicken, que contaba con pollo salteado casi arrebozado, en su punto, acompañado de cebolla, pimiento y brócoli. El sabor rico agridulce del Pan – Fried se repite y hace una buena combinación. También muy contundente.

A la hora del postre elegimos el Chang´s Apple Crunch, su propia versión de pie de manzana y helado casero de vainilla. Del helado de vainilla ni hablar, no había. Del pie, tampoco, ya que la pasta de manzana con canela estaba dentro de un rollo de masa frito y caliente, que dista mucho del que puedes probar en otros P.F. Chang’s. Falta por mejorar.

En cuanto a tragos, nada. Como no han logrado sacar patente de alcoholes (ojo que la culpa la tiene la municipalidad de turno), sus cocktails no están en la carta y cuando solicitamos a nuestra asistente que nos recomendara alguno especial sin alcohol, se limitó a decir que en realidad sólo tienen jugos y bebidas. De los Smoothies y Dessert Cocktails, silencio…

Cosas positivas: La franquicia se ha preocupado de arrancar con altos estándares que colocan los estadounidenses en la etapa de adaptación: esto es flexibilidad, velocidad, amabilidad y un gran contingente de mozos y asistentes que vuelan por no dejarte mucho rato mirando el cielo. La limpieza y pulcritud del lugar es destacable, como también la calidad de la comida, que realmente resulta ser una experiencia muy entretenida y satisfactoria, aunque tal vez un poco desgastante si te haces habitué del lugar

Cosas negativas: Se nota que están en marcha blanca, ya que hay errores frecuentes en la toma de pedidos entre los mozos y la cocina. Muchas veces llegan los platos de fondo antes de los aperitivos, los asistentes no son muy buenos para orientar y recomendar nuevos sabores según los gustos de los visitantes, y no tienen idea de cómo vender la carta de tragos sin alcohol. Fue frecuente ver que sólo se limitaban a destacar los platos más vendidos y con más salida que no eran más de 6 o 7, de 20 en total. Otra de las cosas que nos sorprendió, es que la franquicia no está aceptando pagos con cheques lo que no sólo resulta ilegal, sino también arbitrario, ya que no se le avisa adecuadamente a los visitantes. O sea, si se te quedó tu tarjeta de crédito en casa, mejor anda pensando cómo lavar los platos. En esta oportunidad reclamamos y cedieron, pero al parecer no es política de empresa el aceptar documentos.

P.F. Chang’s en Chile tiene futuro, siempre y cuando mejoren esos puntos bajos que presentan, también refuercen su mayor talón de Aquiles, que es el neófito nivel de los mozos para ayudarte a elegir tus platos en la carta y en el futuro, mantengan el nivel de atención y velocidad que hoy muestran ya que, si se “achilenan”, claramente caerán en la rutina de todas las franquicias que están en el país, y que se caracterizan por ser lentos, mal atendidos, con comida de pobre calidad y reclamos por doquier.

Para terminar, una aclaración: P.F. Chang’s no es en ningún caso, una cadena de comida de lujo. Es una de las miles que hay en Estados Unidos y que incluso, es vista por muchos como un ejemplo más de la destrucción de la buena mesa, prueba de ello son los habituales chistes que lanza el personaje Howard Wolowitz en The Big Bang Theory, donde haciendo gala de su mal gusto, invita a su novia a pasar el día de San Valentín con una cena romántica de US$ 19.99 en el P.F. Chang’s de Los Ángeles.

Sin importar lo anterior y viendo lo poco variada y a veces abúlica que resulta nuestra oferta gastronómica de comida china en Chile, la llegada de la cadena le da un toque de innovación y de atrevimiento para los que aman comer, por ejemplo, en el bario chino de Nueva York o China Town… muchos de esos sabores están en la carta de P.F. Chang’s de Chile.

Ficha técnica:

P.F. Chang’s China Bistro Chile

Dirección: Av. Presidente Kennedy 5413, Santiago, Boulevard Parque Arauco
Horario: Lunes a jueves: 12:00 a 24:00. Viernes a domingo: 12:00 a 01:00 AM.
Fono: 562 – 220 48 95
Chef: Carlos García (ex Fábula) / Ricardo Nanjari (Sous Chef)

Descuentos: no
Patente alcoholes: no
Reservas por internet o teléfono: no
Posibilidad eventos especiales: no

Carta: http://www.pfchangs.cl/menu.html

Fecha visita: Lunes 16 de julio de 2012, 1330 horas.

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